Театральное представление в эпоху расцвета греческого общества входила как составная часть культа Диониса и происходило исключительно во время посвященных ему празднеств. Драмы ставились в пятом веке только во время Великих Дионисий (праздника начала весны) и Леней. Великие Дионисии справлялись с большой пышностью и продолжались жесть дней. В последние три дня проходили драматические состязания. Сначала в состязании участвовали только трагедии, но потом к ним присоединились появившиеся позже комедии. Леней – более легкий праздник, обогащенный драматическими состязаниями позже. Эти игры имели характер массовых зрелищ и были рассчитаны на большое количество зрителей. Допускались к состязаниям, за редкими исключениями, только новые пьесы. Потом уже новой пьесе начала предшествовать пьеса старого репертуара, но она не участвовала в состязании. Произведения афинских драматургов, таким образом, были предназначены для однократной постановки.
На «Великих Дионисиях» в состязании участвовали три автора, каждый из которых представлял три комедии и драму сатиров. На комедийных состязаниях требовалась всего одна пьеса. Поэт занимался и текстом, и музыкальной с балетной частью драмы, он же был режиссером, балетмейстером, а иногда и актером. Расходы на постановку драмы государство возлагало на какого-нибудь состоятельного гражданина, который назначался хорегом (руководителем хора) и набирал хор числом в 12, а впоследствии 15 человек для трагедии и 24 для комедии, оплачивал участие хора, помещение, в котором хор готовился, репетиции, костюмы и.т.д. Пышность постановки зависела от щедрости хорега. Победа в состязаниях присуждалась совокупно режиссеру и хорегу. Уже позже самостоятельным участником состязания стал протагонист – актер, играющий главную роль.
Одно из важнейших отличий греческого театра от современного состоит в том, что игра происходила под открытым небом, при дневном свете. Отсутствие крыши и использование естественного освещения были связаны с громадными размерами греческих театров. Античные театры строились в расчете на огромное количество граждан. Одной из основных частей театра была орхестра («площадка для пляски»), на которой выступали и драматические и лирические хоры. С введением актера, выступавшего в разных ролях, понадобилось помещение для переодевания. Сначала так называемая «скена» (это помещение) находилась в поле зрения зрителя в специальной палатке, а затем ее начали располагать позади орхестры и оформлять как декоративный фон для игры. Сцена изображала фасад здания, у которого происходило действие (внутри дома в греческой драме действие никогда не происходило). Перед ней воздвигалась колоннада (проскений), а между колоннами ставились разрисованные доски, служившие условными декорациями. Актеры играли на орхестре перед проскением на одном уровне с хором, или на незначительном возвышении. Высокая эстрада появилась, когда роль хора в драме уменьшилась. Места для зрителей располагались уступами и разрезались проходами.
Участники игры выступали в масках. Греческий театр классического периода сохранил это наследие обрядовой драмы.Маска отвечала установке греческого искусства на создание обобщенных образов, не обыденных, а героических, возвышающихся над бытовым уровнем, или гротескно-комических. Система масок была очень подробна разработана. Они покрывали и лицо и голову актера. Окраской, выражением лба, бровей, формой и цветом волос маска характеризовала пол, возраст, общественное положение, нравственные качества и душевное состояние изображаемого лица. При резком изменении душевного состояния актер в разные свои приходы надевал различные маски. В иных случаях маска могла быть приспособлена к изображению более индивидуальных черт, воспроизводя особенности привычного облика мифологического героя или имитируя портретное сходство с высмеиваемыми в комедии современниками. Благодаря маске актер мог выступать на протяжении одной пьесы в нескольких ролях. Неподвижность лица компенсировалась богатством и выразительностью телодвижений и декламационным искусством актера.
Драма берет свое начало от подражательной игры в обрядовой системе первобытных народов, охотничьих и земледельческих, а так же в фольклоре цивилизованных народов. Игры эти связаны с первобытными магическими представлениями о том, что разыгрывание какого-то действия способствует реальному осуществлению его. Характерной чертой обрядовой драмы является ряжение, надевание маски какого-либо бога, демона или зверя. Этот обычай тоже коренится в первобытном мировоззрении: считают, что человек, надевший маску, получает свойства существа, которого эта маска изображает. Очень богат этими мимическими элементами был культ Диониса, бога творческих сил природы. В связи с этим культом развивалась аттическая драма в трех ее проявлениях: комедия, трагедия и драма сатиров (игривая пьеса со счастливым концом, малой сюжетностью и комичным тоном, которая отличалась появлением на сцене певцов-сатиров).
На празднике «Великих Дионисий» помимо лирических хоров выступали хоры трагические. Первым трагическим поэтом называют Афина Феспида, а 534 год указывается как дата постановки первой трагедии. Афинская трагедия конца четвертого – начала пятого века еще не была драмой в полном смысле слова. Она являлась одним из ответвлений хоровой лирики, но отличалась двумя особенностями: 1) кроме хора выступал актер, делавший сообщение хору и обменивавшийся с ним или его предводителем (корифеем) репликами. Хор не покидал места действия, а актер уходил, возвращался, делал сообщения о происходящим за сценой и мог менять обличи; 2) хор принимал участие в игре, изображая группу лиц, поставленных в сюжетную связь с теми, кого представлял актер. Сюжеты брались из мифов, но иногда трагедии писались и на современные темы. Произведения первых трагиков не сохранились, но уже у раннего поэта Фриниха, а может быть и до него, основным содержанием трагедии являлось изображение какого-либо страдания. В трагедии, которая берет за основу мифы, во главе стоят не «доблесть», или «подвиги», а страдания, «страсти», которые не происходят на глазах у зрителя, а о них сообщает вестник, в то время как справляющий обрядовое действие коллектив реагирует песней и пляской на эти сообщения. Трагедия претерпела многие изменения, прежде чем приняла свой окончательный облик. В ранней стадии она имела «сатировский характер»: сюжет был не сложен, имелся шутливый стиль и плясовый элемент. Трагедия в буквальном переводе означает «козлиную песнь».
Позднее трагедия стала серьезнее, страсти переросли в нравственную проблему. Это жанр, ставящий вопросы человеческого поведения на примере судьбы мифологических героев. Дифирамбы переросли от бурной дионисовской песни в балладу на героические сюжеты. Хор перестал рядится в маску козлов, или сатиров, а стал в маску лиц, сюжетно связанных с действием и героями. В дальнейшем роль хора стала уменьшатся и увеличилось значение актера и увеличилось число актеров. Осталась неизменной сама двусоставность: наличие хоровых партий и партий актера. Двусоставностью определяется и внешняя структура трагедии. Если она начинается с партий актеров, то эта первая часть, до прихода хора составляла пролог. Затем появлялся хор, исполняющий песнь, а после этого чередовались эписодии: актерские сцены и хоровые партии (стасимы – стоячие песни). За последним стасимом шел эксод (выход), заключительная часть, в конце которой актеры и хор покидали место игры. Возможен был диалог актера с корифеем (предводителем хора), а так же коммос, совместная лирическая партия хора и актера. Антрактов не было, игра шла непрерывно и хор почти никогда не покидал место игры во время действия. Стало обычным, хотя и необязательным, то что действие трагедии происходит в одном месте и не превышает своей длительностью одного дня. Итак, необходимые составные части античной трагедии: «страдание», сообщение вестника, плач хора, сопровождающего действие и выражающего общественное мнение. Катострофиальный исход был вовсе не обязателен и многие трагедии имели примирительный исход.
Комедия получила офицальное признание гораздо позже. Состязания комедийных хоров на «великих Диониссиях» появились где то в 488-486 гг., а на Ленеях еще позже. До этого комедия являлась лишь народной обрядовой игрой. Мы знаем его только в такой форме, которую она имела во второй полвине пятого века. Термин «комедия» обозначает «песню космоса». Комос – «ватага гуляк», распевающих песни насмешливого или хвалебного, иногда любовного содержания после пирушки.
В комедии комос представлен хором ряженных в подчас весьма фантастические костюмы. Заглавия комедий «Осы», «Птицы», «Лягушки» — все даны по костюму хора. Хор славит, но чаще всего обличает, причем его насмешки, направленные против отдельных лиц, обычно не стоят ни в какой связи с комедийным действием. Сюжет в комедии чаще всего строится так, что герой, одержав в состязании победу над противником, устанавливает некий новый порядок, «переворачивающий» вверх дном какую-либо сторону общественных отношений, и тогда наступает блаженное царство изобилия с широким простором для еды и любовных радостей. Заканчивается такая пьеса свадебной или любовной сценой и шествием комоса. Лишь немногие из «древних» комедий отклоняются от этой схемы.
Аттическая комедия пользуется типическими масками («ученый шарлатан», «шут», «пьяная старуха» и т. д.). Среди произведений афинских комедийных поэтов попадаются пьесы с пародийно-мифологическим сюжетом. Однако главный объект комедии – современность, текущие, иногда злободневные вопросы политической и культурной жизни. Фольклорные песни и игры в ней превращаются в орудие политической сатиры и идеологической критики. Характерная черта – полная свобода издевки над отдельными гражданами с открытым называнием их имен. В комедиях Аристофана, например, на сцену выводятся такие лица, как Сократ и Еврипид. Персонажи в комедии обычно не индивидуализируются, а являются обобщенными карикатурными образами. Это имеет место даже, когда действующими лицами являются живые современники. Сюжет комедии имеет по большей части фантастический характер. Комический хор состоял из 24 человек и распадался на два иногда враждующих полухория. Важнейшая партия хора – парабаса, в котором хор прощается со зрителями и актерами и говорят от имени ее автора, сводящего здесь счеты со своими недоброжелателями, которая исполняется в середине пьесы. Хор при этом проходит через зрителей.
